Ich bin im Garten

Martha Jungwirth gilt als eine der bedeutendsten Künstlerinnen der Gegenwart, die in den letzten Jahren über Österreichs Grenzen hinaus international große Anerkennung erfahren hat. Ihr faszinierendes Schaffen umkreist die koloristischen Möglichkeiten des Aquarells wie der Ölmalerei, für die sie vorzugsweise Papier als Malgrund verwendet. Von Beginn an experimentiert sie mit der unterschiedlichen Materialität von Bildträgern und Pigmenten.

Ab den 1980er-Jahren vereint die Künstlerin Abstraktion und Gegenständlichkeit in großformatigen Aquarellen, deren Motive auf dem Malgrund zu schwimmen oder zu schweben scheinen. Ihre filigranen Zusammenhänge entstehen in einem rhythmischen, intuitiven und ungeplanten Gestaltungsprozess. Martha Jungwirth arbeitet von allen Seiten auf dem meist am Boden liegenden Papier an der Komposition. Die Gegenstandsfarbe wird zur Gefühlsfarbe und überträgt das Sichtbare in eine dichte, einzigartige und unverwechselbare Bildsprache von höchster Expressivität und Sensibilität.

„Meine Kunst“, so Martha Jungwirth, „ist wie ein Tagebuch, seismografisch. Das ist die Methode meiner Arbeit. Ich bin dabei ganz auf mich bezogen. Zeichnung und Malerei sind eine Bewegung, die durch mich durchgeht. Durch meine Wahrnehmung und meine Gestik wird es etwas anderes. Das Bild ist ein intelligentes Fleckengefüge, nichts Festgefahrenes. Es geht um das Fluide, Durchsichtige, Offene. Dabei interessiert mich gerade nicht das Edle, sondern das Schleißige, Nichtgeschönte, Unzensierte.“ Und sie erklärt weiter: „Ich male mit dem ganzen Körper, ich gehe um das Bild, ich habe keine Standfläche und keinen Fluchtpunkt, ich male am Tisch, am Boden, und meistens gleichzeitig an verschiedenen Sachen.“[1] Das Papier wird zur Partitur der eigenen Wahrnehmung, reagiert durch Farbklänge wie Fleckenstrukturen und wird zum Resonanzkörper der Empfindung für das Sichtbare.

Martha Jungwirth, who has received great international recognition beyond the borders of Austria in recent years, ranks among the most important contemporary women artists. Her fascinating oeuvre revolves around the coloristic possibilities of watercolor and oil painting, for which she prefers to use paper as a painting ground. From the very beginning, she has been experimenting with the different materiality of image carriers and pigments.

Beginning in the 1980s, the artist combined abstraction and figuration in large-format watercolors, the motifs of which seem to float or hover on the painting surface. Their filigree connections are created in a rhythmic, intuitive, and unplanned creative process. Martha Jungwirth works on the composition from all sides of the paper, which usually lies on the floor. The color of the object becomes a color of emotion and transfers the visible into a dense, unique, and unmistakable visual language of the highest expressiveness and sensitivity.

“My art,” Martha Jungwirth explains, “is like a diary, seismographic. That is the method of my work. I am completely self-referential. Drawing and painting are a movement that runs through me. Through my perception and my gestures, it becomes something else. The picture is an intelligent patchwork, nothing entrenched. It is about the fluid, the transparent, the open. I am not interested in the noble but rather in the hard-working, the unembellished, the uncensored.” And she further elucidates: “I paint with my whole body, I walk around the picture, I have no standing surface and no vanishing point, I paint at the table, on the floor, and mostly work on different things at the same time.”[1] The paper becomes a musical score of her perception, reacting through color tones like patchwork structures and becoming a resonating body of sensation for the visible.